쇤베르크는 왜 조성을 버렸을까? 12음 기법이 탄생한 이유

쇤베르크는 왜 조성을 버렸을까?

 

 

우리가 익숙하게 듣는 클래식 음악에는 대체로 음악의 중심이 되는 음이 있습니다. 선율이 멀리 움직이고 화음이 복잡하게 바뀌더라도, 어느 순간 익숙한 중심으로 돌아오면 음악이 안정되었다는 느낌을 받습니다. 베토벤이나 모차르트의 음악을 들을 때 자연스럽게 경험하는 이러한 흐름은 서양 음악의 조성 체계와 깊은 관계가 있습니다.

 

그런데 20세기에 들어서면서 이러한 중심을 분명하게 드러내지 않는 음악이 본격적으로 등장했습니다. 익숙한 화음의 진행을 예상하기 어렵고, 음악이 어디로 향하는지 쉽게 짐작할 수 없는 작품들이 나타난 것입니다. 이러한 변화의 중심에 있었던 인물 가운데 한 사람이 오스트리아 출신 작곡가 아르놀트 쇤베르크(Arnold Schoenberg, 1874~1951)였습니다.

 

쇤베르크는 조성 중심의 작곡에서 벗어나 무조 음악을 탐구했고, 이후 12음 기법이라는 새로운 작곡 방법을 체계화했습니다. 처음 그의 음악을 듣는 사람에게는 낯설고 불안정하게 느껴질 수 있지만, 그 안에는 음들을 조직하고 연결하려는 치밀한 사고가 담겨 있습니다.

 

그렇다면 쇤베르크는 왜 오랫동안 서양 음악의 중심이었던 조성에서 벗어나려 했을까요? 그리고 12개의 음으로 음악을 만든다는 것은 정확히 무슨 뜻일까요? 이 질문을 이해하려면 먼저 조성이 어떤 역할을 하는지 살펴볼 필요가 있습니다.

음악에서 조성이란 무엇일까요?

조성이란 음악의 여러 음과 화음이 하나의 중심을 기준으로 관계를 맺는 체계입니다. 예를 들어 다장조 음악에서는 '도'가 중심음인 으뜸음의 역할을 합니다. 다른 음들은 이 중심을 기준으로 움직이며 긴장과 안정의 관계를 만들어 냅니다.

 

이를 여행에 비유하면 이해하기 쉽습니다. 집을 떠나 여러 장소를 방문하더라도 마지막에 다시 집으로 돌아오면 여정이 끝났다는 느낌을 받습니다. 조성 음악에서도 비슷한 일이 일어납니다. 음악이 중심에서 멀어지며 긴장을 만들다가 다시 안정된 화음으로 돌아오면 듣는 사람은 자연스럽게 마무리되는 느낌을 받습니다.

 

이러한 움직임을 만드는 데 중요한 역할을 하는 것이 화음입니다. 여러 음이 동시에 울리는 화음은 서로 다른 성격과 기능을 지니며, 어떤 화음은 안정감을 주고 다른 화음은 다음 화음으로 이어지고 싶다는 긴장감을 만들어 냅니다. 특히 으뜸화음과 딸림화음 사이의 관계는 전통적인 조성 음악에서 중요한 역할을 합니다.

 

물론 모든 조성 음악이 단순히 중심을 떠났다가 돌아오는 방식으로만 구성되는 것은 아닙니다. 그러나 중심음과 화음 사이의 관계는 오랫동안 서양 음악이 선율을 전개하고 큰 규모의 작품을 조직하는 중요한 기반이었습니다.

후기 낭만주의 음악에서는 조성이 어떻게 흔들렸을까요?

19세기 후반으로 접어들면서 작곡가들은 이전보다 복잡하고 풍부한 화성을 사용하기 시작했습니다. 한 조에서 다른 조로 이동하는 전조가 더욱 빈번해졌고, 반음계적인 진행도 확대되었습니다. 반음계란 피아노 건반에서 흰 건반과 검은 건반을 포함해 반음 간격으로 움직이는 음들의 관계를 말합니다.

 

이러한 음들을 적극적으로 활용하면 음악의 색채가 풍부해지고 감정의 변화도 더욱 섬세하게 표현할 수 있습니다. 그러나 화음이 끊임없이 다른 화음으로 이어지고 중심이 자주 바뀌면, 듣는 사람은 지금 음악이 어느 조에 속하는지 판단하기 어려워집니다.

 

전통적인 조성 음악에서는 긴장이 생긴 뒤 안정된 화음으로 해결되는 흐름이 중요했습니다. 하지만 후기 낭만주의 작곡가들은 긴장을 곧바로 해결하지 않고 오래 유지하거나, 예상과 다른 방향으로 음악을 진행시키기도 했습니다. 그 결과 조성의 중심이 점차 흐려지는 구간이 나타났습니다.

 

이러한 변화는 조성이 갑자기 무너졌다는 뜻이 아닙니다. 오히려 작곡가들이 기존 화성의 표현 가능성을 넓혀 가는 과정에서 조성의 경계가 점차 유연해졌다고 이해하는 편이 적절합니다. 쇤베르크 역시 이러한 후기 낭만주의 음악의 흐름 속에서 출발했습니다.

쇤베르크는 처음부터 조성을 거부한 작곡가였을까요?

쇤베르크를 12음 기법의 창시자로만 기억하면 그가 처음부터 전통적인 음악을 부정했던 작곡가처럼 생각하기 쉽습니다. 그러나 그의 초기 작품은 후기 낭만주의 음악과 깊이 연결되어 있습니다.

 

대표적인 작품이 1899년에 작곡한 「정화된 밤(Verklärte Nacht)」입니다. 원래 현악 6중주를 위해 작곡된 이 작품에는 풍부한 화성과 복잡한 반음계 진행, 강렬한 감정 표현이 담겨 있습니다. 전통적인 조성의 기반을 유지하면서도 그 표현 범위를 크게 확장한 음악입니다.

 

이 작품을 들어보면 쇤베르크가 어느 날 갑자기 기존 음악과 결별한 인물이 아니라는 사실을 알 수 있습니다. 그는 낭만주의 음악이 발전시켜 온 화성과 표현 방식을 충분히 이해하고 있었으며, 그 가능성을 더욱 넓히는 과정에서 새로운 문제에 도달했습니다.

 

화음의 진행이 점점 복잡해지고 중심음의 역할이 약해진다면, 음악은 무엇을 기준으로 하나의 작품을 이루어야 할까요? 쇤베르크의 변화는 바로 이러한 질문과 연결되어 있었습니다.

무조 음악은 기존 음악과 무엇이 달랐을까요?

쇤베르크는 1900년대 후반부터 전통적인 조성의 중심을 분명하게 설정하지 않는 음악을 본격적으로 탐구했습니다. 이러한 음악을 흔히 무조 음악이라고 부릅니다. 무조 음악에서는 다장조나 사단조처럼 하나의 조가 작품 전체를 지배하는 방식이 뚜렷하지 않습니다.

 

그렇다고 무조 음악이 아무런 규칙 없이 음을 나열하는 음악이라는 뜻은 아닙니다. 전통적인 조성의 기능에 의존하지 않더라도 선율의 형태, 음정 사이의 관계, 리듬의 반복과 변화 등을 통해 음악의 연결과 통일성을 만들 수 있습니다.

예를 들어 짧은 선율이 처음 등장한 뒤 다른 높이에서 다시 나타나거나, 음의 진행 방향을 바꾸어 반복될 수 있습니다. 같은 리듬이 새로운 음들과 결합하기도 합니다. 이러한 관계를 따라가면 익숙한 화음의 해결이 없어도 음악이 어떻게 전개되는지 이해할 수 있습니다.

 

쇤베르크의 「피아노 소품 3곡(Op. 11)」은 이러한 변화를 보여주는 대표적인 작품입니다. 1909년에 작곡된 이 작품을 들으면 전통적인 조성 음악에서 익숙했던 안정과 해결의 흐름이 뚜렷하게 나타나지 않습니다. 대신 짧은 음악적 재료가 어떻게 등장하고 변화하는지에 귀를 기울이게 됩니다.

무조 음악과 12음 기법은 같은 것일까요?

쇤베르크의 음악을 설명할 때 무조 음악과 12음 기법을 같은 뜻으로 사용하는 경우가 있습니다. 그러나 두 개념은 구분해야 합니다. 무조 음악은 전통적인 조성 중심이 뚜렷하지 않은 음악을 가리키는 넓은 개념이며, 12음 기법은 그러한 음악을 조직하기 위해 쇤베르크가 체계화한 특정한 작곡 방법입니다.

 

쇤베르크가 조성 중심의 음악에서 벗어난 시기와 12음 기법을 발전시킨 시기는 같지 않습니다. 그는 먼저 전통적인 조성에 의존하지 않는 작품들을 작곡했고, 이후 음악의 재료를 더욱 체계적으로 조직할 수 있는 방법을 탐구했습니다.

 

무조 음악에서는 작곡가가 다양한 방식으로 음의 관계를 구성할 수 있습니다. 그러나 작품의 규모가 커질수록 여러 부분을 하나의 구조로 묶는 문제가 중요해집니다. 쇤베르크는 이러한 문제를 해결할 수 있는 새로운 방법을 찾으려 했습니다.

그 결과 1920년대 초에 체계화된 것이 12음 기법입니다. 무조 음악이 조성 중심의 질서에서 벗어나는 변화였다면, 12음 기법은 그 이후 음악을 조직하기 위한 새로운 질서를 마련하려는 시도였습니다.

12개의 음으로 어떻게 새로운 질서를 만들었을까요?

12음 기법의 기본 원리는 서양 음악의 반음계에 포함된 12개의 서로 다른 음높이 종류를 일정한 순서로 배열하는 것입니다. 피아노에서 한 옥타브 안의 흰 건반과 검은 건반을 모두 생각하면 이해하기 쉽습니다. 이 12개의 음을 각각 한 번씩 포함하도록 배열한 것을 음렬이라고 합니다.

 

중요한 것은 음렬이 반드시 '도, 도♯, 레, 미♭'처럼 반음씩 올라가는 순서일 필요가 없다는 점입니다. 작곡가는 12개의 음을 다양한 순서로 배열할 수 있습니다. 예를 들어 어떤 음에서 시작해 멀리 떨어진 음으로 이동했다가 다시 가까운 음으로 돌아오는 식으로 구성할 수도 있습니다.

 

이렇게 만들어진 음렬은 작품의 선율과 화성을 조직하는 기본 재료가 됩니다. 전통적인 조성 음악이 으뜸음을 중심으로 음들의 관계를 형성했다면, 12음 기법에서는 미리 정한 음렬과 그 변형이 음악의 통일성을 만드는 중요한 역할을 합니다.

다만 12음 기법을 12개의 음을 차례로 한 번씩 연주하는 단순한 규칙으로만 이해해서는 안 됩니다. 음렬은 작품의 음높이 재료를 조직하는 원리이며, 실제 음악에서는 리듬과 음역, 악기 편성, 음들의 결합 방식 등 다양한 작곡적 선택이 이루어집니다.

음렬을 거꾸로 뒤집는다는 것은 무슨 뜻일까요?

ㄱㄱ

 

ㄱㄱ

12음 기법에서 중요한 특징 가운데 하나는 하나의 음렬을 여러 방식으로 변형할 수 있다는 점입니다. 기본 음렬을 그대로 사용하는 것뿐 아니라 음의 순서를 거꾸로 바꾸거나, 음정의 진행 방향을 반대로 만들 수도 있습니다.

 

가장 쉽게 이해할 수 있는 방법은 짧은 선율을 생각해 보는 것입니다. 어떤 선율이 위로 올라갔다가 아래로 내려온다면, 그 진행 방향을 반대로 바꾸어 아래로 내려갔다가 위로 올라가게 만들 수 있습니다. 이를 전위라고 합니다. 반면 처음부터 끝까지 이어진 음의 순서를 뒤에서 앞으로 바꾸는 것은 역행이라고 합니다.

 

12음 기법에서는 이러한 변형을 음렬 전체에 적용할 수 있습니다. 기본형, 역행형, 전위형, 역행전위형이라는 네 가지 형태가 대표적이며, 각 형태를 다른 높이에서 시작하도록 옮기는 것도 가능합니다. 이렇게 하나의 기본 재료에서 다양한 형태를 만들어 낼 수 있습니다.

 

이 방법은 음악의 통일성과 다양성을 동시에 확보하는 데 도움이 됩니다. 같은 음렬에서 출발했기 때문에 서로 관련된 음악적 재료를 사용할 수 있으면서도, 변형 방법에 따라 서로 다른 선율과 화성의 흐름을 만들어 낼 수 있기 때문입니다.

쇤베르크의 혁명은 불협화음에만 있었던 것이 아닙니다

쇤베르크의 음악을 처음 들으면 낯선 화음과 불안정한 음향이 가장 먼저 귀에 들어올 수 있습니다. 전통적인 조성 음악에서 익숙하게 들었던 안정된 화음의 해결이 분명하게 나타나지 않기 때문에 음악의 흐름을 따라가기 어렵다고 느끼는 사람도 있습니다.

 

그러나 쇤베르크의 혁신을 단순히 불협화음을 많이 사용했다는 사실로 설명하는 것은 충분하지 않습니다. 더 중요한 변화는 음악을 조직하는 기준이 달라졌다는 점입니다. 전통적인 조성 음악에서는 화음의 기능과 중심음으로 돌아가는 움직임이 중요한 역할을 했지만, 12음 기법에서는 음렬과 그 변형이 작품의 구조를 형성하는 중요한 수단이 됩니다.

 

그렇다고 쇤베르크가 과거의 모든 음악적 형식을 버린 것은 아닙니다. 그는 전통적인 형식과 대위법적 사고를 새로운 음높이 조직 방법과 결합하기도 했습니다. 대위법이란 서로 독립적인 여러 선율이 동시에 진행하면서 음악적 관계를 이루도록 만드는 작곡 방법입니다.

 

이러한 점에서 쇤베르크의 변화는 전통을 완전히 없애려는 시도라기보다, 전통적인 음악 구성의 문제를 새로운 방식으로 해결하려는 탐구로 볼 수 있습니다. 그의 혁신은 낯선 소리를 만드는 데만 있었던 것이 아니라, 음악의 질서를 만드는 원리를 새롭게 생각했다는 데 있었습니다.

쇤베르크 이후 음악은 어떻게 달라졌을까요?

12음 기법은 쇤베르크 이후 여러 작곡가에게 중요한 영향을 주었습니다. 특히 음높이를 미리 설정한 관계에 따라 조직할 수 있다는 생각은 현대 음악의 다양한 작곡 방법으로 이어졌습니다.

 

일부 작곡가들은 음높이뿐 아니라 리듬과 음색, 강약 같은 요소도 체계적으로 조직하려 했습니다. 음악의 여러 요소를 일정한 관계 속에서 설계하려는 이러한 시도는 20세기 음악의 중요한 흐름 가운데 하나가 되었습니다.

 

그러나 모든 현대 음악이 12음 기법을 따르게 된 것은 아닙니다. 어떤 작곡가들은 전통적인 조성을 새로운 방식으로 활용했고, 다른 작곡가들은 여러 음악적 체계를 결합했습니다. 또 전혀 다른 음향과 구성 방법을 탐구하는 흐름도 나타났습니다.

 

따라서 12음 기법의 역사적 의미는 하나의 작곡 규칙이 모든 음악을 대신하게 되었다는 데 있지 않습니다. 오히려 음악을 조직하는 방법이 다양해지고, 작곡가들이 선택할 수 있는 가능성이 넓어졌다는 점에서 찾을 수 있습니다.

처음 듣는 쇤베르크 음악, 무엇부터 들어보면 좋을까요?

쇤베르크의 음악을 처음 접한다면 12음 기법의 작품부터 곧바로 듣기보다 그의 음악이 변화한 과정을 따라가 보는 것이 좋습니다. 같은 작곡가의 작품이지만 시기에 따라 음악의 성격이 상당히 다르게 나타나기 때문입니다.

 

먼저 1899년의 「정화된 밤」을 들어보시기 바랍니다. 후기 낭만주의의 풍부한 화성과 강렬한 감정 표현을 느낄 수 있습니다. 조성의 기반을 유지하면서도 화성의 표현 가능성을 넓혀 가던 쇤베르크의 초기 음악을 이해하는 데 도움이 됩니다.

 

그다음에는 1909년의 「피아노 소품 3곡(Op. 11)」을 들어보면 좋겠습니다. 익숙한 조성의 중심이 뚜렷하지 않은 음악에서 짧은 음형과 리듬의 변화가 어떻게 음악을 이어 가는지 살펴보십시오. 처음에는 낯설더라도 반복해서 들으면 음악적 재료 사이의 관계가 조금씩 드러날 수 있습니다.

 

마지막으로 「피아노 모음곡(Op. 25)」을 들어보시기 바랍니다. 1921년부터 1923년 사이에 작곡된 이 작품은 쇤베르크가 12음 기법을 체계적으로 활용한 초기의 중요한 작품입니다. 전통적인 모음곡의 악장 형식과 새로운 음높이 조직 방법이 어떻게 결합되는지 살펴보면 흥미롭습니다.

 

쇤베르크의 음악은 처음부터 익숙하게 들리지 않을 수 있습니다. 그러나 조성의 중심을 찾아 기다리기보다 선율과 음형이 어떻게 나타나고 변화하는지에 귀를 기울이면 새로운 감상 방법을 발견할 수 있습니다. 쇤베르크가 조성 중심의 음악에서 벗어나 12음 기법을 발전시킨 과정은 음악의 질서를 없앤 역사가 아니라, 새로운 질서를 찾으려 했던 탐구의 역사였습니다.